NEOEXPESIONISMO

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.

En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.

Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy definidos.

Jean-Michel Basquiat (1960 - 1988) fue un pintor estadounidense que nació en Brooklyn,Nueva York, el 22 de diciembre de 1960.

Ya en su juventud entró en contacto con la subcultura de la gran ciudad, relacionada con el uso de drogas y las bandas callejeras. En 1977, junto con Al Díaz, se introdujo en el mundo del graffiti, pintando en los vagones del metro y por las zonas del SoHo, barrio neoyorquino donde proliferan las galerías de arte.

Al año siguiente dejó la escuela un curso antes de graduarse en bachillerato (high school) y abandonó su casa para vivir durante dos años en las calles, en edificios abandonados o con sus amigos en el Low Manhattan, sobreviviendo con la venta de postales y de camisetas que él mismo decoraba. Seguía dedicándose al graffiti, sus pintadas y escritos tenían mucha carga poética y filosófica, pero sobre todo satírica. El pseudónimo de su álter ego compartido con Al Díaz (SAMO son las siglas de SAMe Old shit, es decir, "la misma vieja mierda", "la misma porquería"), con el que ambos firmaban sus tags y graffitis, con mensajes crípticos, fue decisivo en su vida.

Pero fue a partir de 1980, siendo aún un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto, por los trazos gestuales de Franz Kline, por los primeros trabajos de Jackson Pollock, por las pinturas con figuras de De Kooning y por las caligrafías de Cy Twombly, todo lo cual, junto a sus raíces haitianas y portorriqueñas, le llevó a tener un gran dominio del grafismo expresivamente gestual. Interesado también por lascombine paintings de Robert Rauschenberg y por el Art Brut, de Jean Dubuffet, así como por la cultura popular, sus graffitis adquirieron una cualidad plástica y expresiva cada vez más próxima a la de la reciente pintura norteamericana, hasta el punto de que, unos años más tarde,Jeffrey Deitch definió su trabajo como una “chocante combinación del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino.

Basquiat, a contracorriente de sus colegas graffitistas, no usa color para sus rayados e incluso ni siquiera imágenes, a veces, sólo palabras como: “SAMO© AS AN END TO MINDWASH RELIGION, NOWHERE POLITICS, AND BOGUS PHILOSOPHY” o “PLUSH SAFE HE THINK / SAMO©.” Estos escritos serán luego, parte fundamental de sus pinturas. No es que fuera el único que escribía en sus pinturas, durante la década del ochenta, pero si es el que mejor juntó los elementos integrando un dinámico “Todo”.Basquiat, a contracorriente de sus colegas graffitistas, no usa color para sus rayados e incluso ni siquiera imágenes, a veces, sólo palabras como: “SAMO© AS AN END TO MINDWASH RELIGION, NOWHERE POLITICS, AND BOGUS PHILOSOPHY” o “PLUSH SAFE HE THINK / SAMO©.” Estos escritos serán luego, parte fundamental de sus pinturas. No es que fuera el único que escribía en sus pinturas, durante la década del ochenta, pero si es el que mejor juntó los elementos integrando un dinámico “Todo”.

Fuentes de información: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean-Michel_Basquiat

HIPERREALISMO

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
 tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Los temas son generalmente paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos de animales con diversos detalles.Se emplea la cámara fotográfica como nuevo elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar.
Los hiperrealistas se esfuerzan por reproducir de una toma exacta y meticulosa, sus obras tanto en lo que respecta a la forma como a la luz, y el color.
También podemos notar que no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.
Otras características del fotorrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.


Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean, Malcolm Morley, John de Andrea y John Salt.

John Salt nacido el 02 de agosto 1937. Es un artista ingles,cuyas pinturas obsesivamente detalladas a partir de la década de 1960 lo convirtió en uno de los pioneros de la fotorrealista la escuela. 

Aunque el trabajo de la sal se ha desarrollado a través de varias fases distintas, que se ha centrado generalmente en las imágenes de los coches , a menudo se muestran destrozados o abandonados en un suburbio o semi-rural de América del paisaje, con la banalidad y el desconcierto de la materia que contrasta con la inmaculada y la naturaleza meticulosa de trabajo de la ejecución.

Las obras de Salt, cuentan con los restos de automóviles y decrépitas casas móviles en lugares semi-rurales en el Estados Unidos . Se producen a partir de fotografías mediante la proyección de transparencias sobre el lienzo y el uso de un aerógrafo y plantillas para reproducir el color - laborioso proceso que puede tardar hasta dos años en completarse. 

El resultado es que de las fotos de la Salt tienen un nivel extremo de detalle y precisión que les da un mayor sentido de la realidad y elimina en la medida de lo posible, la auto-expresión del artista.

Fuentes de información: http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
http://en.wikipedia.org/wiki/John_Salt

OP ART

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

Entre las caracteristicas fundamentales del Op Art, econtramos:

• La ausencia total del moviemiento real, todas sus artes son fisicamente estáticas.
• Se prentende crear efectos visuales, tales como moviemiento aparente, vibraciones, parpadeo o difuminación.
• Usa los recursos de lineas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos ya sea poli o biocromático, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras. Utiliza también figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, etc.
• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico.
• En las obras no existe ningún aspecto emocional.

 Algunos artistas representantes de este movimiento son: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

 Víctor Vasarely nacido en Pécs, Hungría,el 9 de abril de 1908. Fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas)Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.

 Su lema era “Arte para todos”. Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista. Por otra parte, consecuente con sus teorías, Vasarely  creía en la desaparición de la obra única, singular, y aboga por el futuro ‘democrático’ de los ‘múltiples’ o repetición industrial y serigráfica del mismo modelo. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte. Para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica.

Fuentes de información: http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

http://aquileana.wordpress.com/2007/10/03/victor-vasarely/

POP ART

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislandolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Surgió a mediados de 1950 en Reino Unido y fines de 1950 en Estados Unidos.
 En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
Entre las características mas importantes encontramos:

•  El pop art es figurativo y realista.
•  Crea efectos visuales mediante trasados tramados, lineas sinuosas, paralelas,contrastes y/o policromáticos, inversiones de figuras y fondos, cambios de tamaño, convinaciones de formas y figuras ambiguas. 
• Diseños de formas geométricas-cromáticas simples, lineales o de masa en convinaciones complejas.
• Composiciones meticulosamente realizadas.
• Composiciones estructurados mediante espacios geométricamente ordenados de diferentes tamaños o mediante módulos respectivos o en variación.
• Participación del espectador, en muchas casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
• Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.
• Colores planos de contornos netos.
• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes.
• Estilo muy crítico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al hombre. Rechazan la abstracción como formas de expresion creativa, pues no unen al autor y al espectador.

 Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp,Kurt Schwitters y Man Ray.

Marcel Duchamp nació en Blainville-Crevon, el 28 de julio de 1887. Fue un artista y ajedrecista francés.

Fue conocido especialmente  por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.

Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura.

 Duchamp murió en Neuilly-sur-Seine en 1968.

La casada desnudada por sus solteros es una obra de Marcel Duchamp. Esta pintura sobre vidrio es conocida sobre todo por sus famosos "ready-mades": objetos absolutamente ordinarios, como una rueda de bicicleta, un portabotellas, un urinario o un inodoro, que Duchamp eleva al rango de obras de arte, firmándolos y poniéndoles título.

Fuentes de información: http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp 
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

SURREALISMO

El Surrealismo o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
La meta surrealista y sus medios se remontan siglos antes al nacimiento del movimiento. Basta citar a Hieronymus Bosch "el Bosco", considerado el primer artista surrealista, que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". Pero fue en el siglo XX cuando surgiría el nacimiento de una vanguardia filosófica y artística que retomaría estos elementos y los desarrollaría como nunca antes se había hecho

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.

Entre los autores mas importantes, podemos destacar: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1° Marqués de Dalí de Púbol. Nació en España, el 11 de mayo de 1904,  fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Un pequeño pero famoso cuadro de la época más surrealista de Dalí . El paisaje tiene influencias de los trabajos que realizó del mar en su juventud, hasta se puede reconocer el Cabo de Creus en la parte superior derecha; parece una playa al atardecer. En primer término y en posición central, destaca una extraña figura: una cabeza blanda con una enorme nariz, de larga y carnosa lengua que sale de ella, pero carece de boca. Su raro cuello se pierde en la oscuridad. Reposa dormida sobre la arena, ya que vemos cerrado su ojo, con unas enormes pestañas. Estamos delante de un paisaje onírico.

Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre lo que parece una mesa de madera rectangular, aunque incompleta, encontramos otros dos relojes: uno más pequeño, cerrado, sobre el que se apelotona una multitud de hormigas; el otro, enorme, blando y alabeado- con una mosca encima y marcando casi las siete horas- ,se escurre por el borde de la mesa. De ésta nace un árbol roto, con una sola rama sin hojas sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. Una piedra redondeada proyecta su sombra sobre la arena de la playa, que está desierta. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.

La composición está muy estudiada. Domina la línea horizontal del mar al fondo, remarcada por la luz, que divide el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosas. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Como elementos dinámicos, el pintor utiliza las líneas diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). El color contribuye a lograr estos efectos, ya que los tonos cálidos nos acercan las formas, mientras que los frios las alejan. La perspectiva tradicional existe, pero el espacio parece extraño. El punto de vista del espectador es alto, aunque no en todos los objetos

Fuentes de informacion: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

DADAISMO

Movimiento artístico surgido primero en Europa y posteriormente en Norteamérica; fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza entre1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador y, posteriormente, adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura representativa de dadá. Surgió del desencanto que sentían los miembros al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y posteriormente, en actitud de rebelión a hacia la abulia y desinterés social característico de los artísticas del periodo de entreguerras.¹

Dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción.

Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber, Marcel Duchamp.

Sophie Taeuber-Arp nacida en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889  y falleció en Zúrich, el 13 de enero de 1943) fue una artista, pintora y escultora suiza. Murió accidentalmente al inhalar los gases de una estufa con deficiente combustión.

Sophie Täuber estudió artes aplicadas en Múnich y Hamburgo. En 1915 conoció a Jean Arp con quien se casó en 1922. Ambos formaron parte del movimiento Dada de Zúrich.

A partir de finales de los años 1920, vivió en París, donde continuó diseñando.

Sophie Taeuber-Arp perteneció a una generación de mujeres activas en la sociedad, ansiosas

de trascender los límites tradicionalmente asociados a su sexo e hijas de las ‘nuevas mujeres’ 

del siglo XIX, relacionadas con los movimientos feministas y sufragista. Mujeres 

independientes que habían recibido educación superior, normalmente de familias de la clase 

media o alta, que ejercieron una gran influencia en la escena cultural de los años veinte y 

treinta.

A lo largo de su vida, concilió todo tipo de posturas encontradas en el arte. Tal vez debido a su 

visión inocente, alejada de grandes pretensiones, su mente no estuvo encorsetada por ninguna 

nomenclatura, lo que permitió que en su trabajo se dieran la mano figuración y abstracción, 

dadaísmo y abstracción geométrica, desorden y armonía, arte y artesanía.

. Geometrías vivas

Una de las principales aportaciones de la obra de Sophie Taeurber-Arp es la integración de opuestos. Sus construcciones geometrizantes, propiamente dichas, se imbuyen en esta pasión por los polos opuestos. Cada una de las obras encierra el movimiento creado por la tensión entre territorios contradictorios, la integración entre vida y arte en la que reside lo extraordinario de Sophie Taeuber-Arp.

Fuentes de informacion: http://es.wikipedia.org/wiki/Sophie_Taeuber-Arp